“Unique Photographs” by Fred Cray

“Unique Photographs” 

As photography evolves into another generation, the fate of our visual experience is thrown across the sprawl of the digital environment. The “uniqueness” of the contemporary photograph is not inherent, and more than ever the sum of it’s parts must grow in new ways in order to survive. Instead of offering a simple alternative to the now banal questions of what makes something original, Fred Cray’s first publicly released artist book offers a revised method: natural selection.

“Unique Photographs” adds dimension to ideas of chance in photography. Cray’s work gains substance from serendipitous interactions with people who discover his prints left at varying locations including New York, across the United States, Europe, Asia, Australia and South Africa.  His work breeds discovery as he individualizes the images (and for that matter he individualizes the book with holes and unique photographs as inserts) by randomly punching holes in different spots, digitally altering, stamping, and/or numbering by hand (as if specimens set loose into the wild.)  As a type of epilogue at the end of the book Cray shares the email correspondences and reactions he receives from those who accidentally find the prints.  I am struck by the urge of those who discover his pieces to look up his name on Google and to actually send him their messages, a seemingly laborious gesture too often trumped by impracticality in this high speed age of our digital society.  However, this project has been successfully (and delightfully) realized because of people’s pure curiosity and desire to reach out to others.  Cray’s gesture offers us a chance to carefully look, and, moreover, he gives us a possibility to connect with people beyond immediate time and place: a sense that we are moving forward but not at the expense of expectation or technological grind. 

With an interdisciplinary educational background in literature and painting, Cray has become a multi-faceted artist and has a particular sensitivity to narrative elements in art movements of the 1960s and 70s.  He respects Joseph Beuys’ environment based works as well as the theories formed by Fluxus groups especially for their participation within a public setting.  However, Cray’s attempts are intentionally apolitical unlike the aims of Fluxus members. He molds the current development of our digital culture to his advantage. Cray is hopeful in his attempts of connecting people (to each other and to himself) through his unorthodox process. By creating threads of connection with his photography, Cray presents himself articulately as a visual poet rather than an aggressive protagonist. 

As a native Japanese, I can’t help comparing his project with “Lemon”, one of the masterpieces in modern Japanese literature and written by Motojiro Kajii in 1925. In this story, a lemon is placed on the pile of the books at the large bookstore in Tokyo.  For Kajii, a bookstore was symbol of an overwhelming amount of information and on the other hand the decline and fear of the intellectual life. The lemon represents an actual object and an awaking for a fresh new mental life.  I see this story as empathetic and insightful regarding hope and chance in a way not dissimilar to Cray’s project.  After “Lemon” was published, I heard that the popularity quickly rose among many readers, they also left lemons at the bookstores, and it was a small trouble and an innocent act.  I wonder [hope?] if the popularity of Cray’s “Unique Photographs” will induce the same kind of phenomena, and give us a joyful and genuine encounter with the other people.

"New York Arbor" by Mitch Epstein, (Steidl, 2013 ) / ニューヨーク・アーバー、ミッチ・エプステイン

１９５２年生まれのミッチ・エプステイン は、ニューヨークをベースに活躍する写真家です。２００９年にステイドル社から発刊された、"American Power"は、アメリカで製造されるエネルギー源の使用と供給に関する作品だったことから、特に社会派の写真家という認識で理解されている作家です。私は、ミッチ・エプステイン の作品を知ったのは、写真集が最初ではなく、映画の撮影監督としての仕事でした。それは、前妻である映画監督のミラ・ネイアー　(Mira Nair) との共作ドキュメンタリー映画、"Indian Cabaret" (1985)です。この映画はインドの娼婦の生活を追った作品ですが、エプステインにとり、その後（２０１３年現時点におき）、３作映画の映像を制作し、９冊の写真集を発刊していることから、写真家としての目を養った重要な作品の一つであると思います。

前作の"American Power"は、非常に大掛かりなプロジェクトで、５年間の歳月（２００４年ー２００９年）を費やし、アメリカ全土を横断し完成させたエネルギー資源について作品でした。それと打って変わり、"New York Arbor"はエプステインの地元である、ニューヨークの５つの地区に生息する木についての作品です。エプステインは、この作品に関して"about photographing something to honour, rather than mourn" (悲観的な物ではなく栄誉を称える作品をつくりたかったんだ）と話しています。また、この作品は、ニューヨークと言う大都会において、普段見過ごされている、自然が、どのように社会の中で快活に、永続して生息しているかを指し示した作品でもあります。 もちろん、旧作と同様、政治的で、社会的な要素を汲み取ることができる作品ですが、この作品の一番美しい点は、本のプリントの美しさと、本の表紙のデザインの繊細さにあると思います。そして、その２つの要素が、エプステインのプロジェクトをさらに崇高な作品として完結させている点だと思います。モノクロの作品は、単なる２色の黒と白ではなく、消え入りそうなグレーの色合いのバリエーションは幅広く、主題である、木の存在を抽象的に浮き彫りにし、優美さと威風堂々とした趣を醸し出しています。

題名である、"New York Arbor"のArborは、日本語の東屋にあたります。ニューヨークの都市を一つの庭園とし、そこに生息する木々を、休憩所として想定している粋なタイトルだと思います。１９世紀後半から２０世紀の初頭にかけて、フランスの写真家ユージン・アジェット（Eugene Atget）は、近代化の波が押し寄せるパリの街で、昔ながらのパリの面影を残す都市の風景や、建築物の作品を制作しました。ミッチ・エプステイン は、"New York Arbor" で、木々を主題に作品を制作していますが、ニューヨークという大都市の現代の様相を記録する作品として、アジェットと同じような位相から歴史的に検証されることと思います。

Teenage Precinct Shoppers by Nigel Shafran

I like photography that brings up music automatically and Nigel Shafran's work is just that type of work I enjoy sincerely.  I hear the 80s-90s British/Irish rock music from his work,,The Smith, Belle and Sebastian, New Order and Jesus and Mary Jane.  Those are sentimental, fragile and beautiful.

He applied a stripped down approach to the subject to reveals beauty of simplicity since he navigates the subject in the way it should be. He does this since he has a strong empathy to his subject. It must be very refreshing and suprising to fashion photography in the 90s when many were driven to more technical approach for an elaborate effect.

In Teenage Precinct Shoppers, there are two series of teenage portraits: one in black and white and it was taken in Ilford town centre in the suburbs of East London which originally appeared in I-D magazine in 1990.  The other one was shot both in Ilford Town Center and Brent Cross Shopping Centre.  His sincere and straight forward treatment to his subject successfully highlights the subject's presence in the most respectful way.

私は、音楽が聞こえてくるような写真が大好きです。ナイジェル・シャフランの作品はまさに、私が心から楽しむ写真と言えます。シャフランの作品から聞こえてくるのは、８０年代、９０年代のブリティッシュ／アイリッシュのロック・ミュージックです。スミス、ベラ　アンド　セバスチャン、ニューオーダー、ジーザス　アンドマリー ジェーンの儚く、美しく、センチメンタルなメロディーが流れてきます。

シャフランは、主体自体を自然にあるがままの状態に置くことで、装飾を完全に排したアプローチを用い、簡潔さから導かれる美しさを引き出しています。シャフランのこのような制作態度は、シャフランの主体に対する強い共感であるといってもよいでしょう。シャフランの作品は, ９０年代多くのファッション写真家が、より複雑なテクニックを駆使し、手の込んだ効果を生み出すことに躍起になっている時代に、とても新鮮であったことだろうと思います。

Teenage Precinct Shoppers では、２つのシリーズを合わせて発表しています。一つ目は、９０年に、I-D magazineに掲載されたロンドンの東部の郊外のIlford の商店街で撮影されたモノクロの作品です。２つ目の作品は、カラー写真で、Ilfordの商店街、ブレント・クロス・ショッピング・センターで撮影されました。誠実にあるがままに対象を捉えることで、対象の存在感を強調させています。

published by Dashwood Books, 2013

edition of 500 copies

softcover / 66 pages / 9.5 x 7 in

$27

Pls order the copy thru Dashwood Books website:オーダーは、ダシュウッド・ブックスまで。

"Then Again" by Shirana Shahbazi

The work by an Iranian born artist, Shirana Shabazi, displays the various type of the image; abstract forms, still life, representative landscape and portraits without a simple linear perspective as the background narrative. Next to the almost commercial picture looking still life image, Shabazi puts the geometric patterns or black and white portraits. It should not be easily enjoyed because of the inconsistent arrays of the visual experiences, although temperament (or I should say, smell) prevalent all over her works brings a strong and persistent message to me and makes me attracted to her work immediately. It literally mentally speaks to me. I feel almost familiar to them. It fells like a memory or dream that I think of from time to time, where the various different emotions pop up in my mind as the image.



We digest our visual experiences and retain them in our mind on our own way. The first experiences of the visual encounter never appear same as the original shape and color. It should transform to something abstract and different. You perceive the things in front of you in the (almost) same way as the other people. System of memorizing can be, I shall say, same as the mechanical device, compared to system of forgetting. We can see and remember the same things as the common language or icon. But once you keep it to yourself and try to retain it for a certain time, things turn and look different to each other. We don't always remember the same things in the same way. We shape up our memory and visual experience on our own way. The work by Shabazi reminds me of my uncertain perception to reality and against memory.

"Then Again" is made on the occasion of the exhibition "Much Like Zero" at Fotomuseum Winterthur, Switzerland from Sep. 3-Nov 13, 2011. The show was curated by Urs Stahel, director of Fotomuseum Winterthu.


イラン生まれで、スイスで活躍する、シラナ・シャバジの作品についてご紹介します。２０１１年の１１月にスタイドル社から発刊された、「Then Again」は、シャバジ氏の作品の特徴をなす、様々な種類のイメージで構成されています。抽象的な形のものから、写実的な風景写真、モノクロのポートレイトなどが、明確に物語性を示す土台を持たずに、並列されています。例えば、商業写真のような、明るい色彩の生物写真の隣に、幾何学的な形をした、物体の写真や、モノクロの人物像や風景が配置されているのです。このような、統一性のない、イメージの羅列を目にすることは、当ての無い、つまらない映画を観ているのと同じで、退屈でつまらないと感じるのが通常の反応だと思いますが、反対に、私は、シャバジの作品に統一する、メッセージを感じ取り、咄嗟に魅了されました。文字どおり、生理的に、イメージから訴えかけるものに、とらわれ、懐かしささえ憶えてたほど、こちらの気持ちに飛び込んで来たのです。それは、あたかも、忘れかけていた思い出や、消えかけていく夢をつかむ心の作用と似ていると言えるかもしれません。

私たちは、目で見た経験を、咀嚼して心の中で記憶として保持をします。ただいま見たその視覚経験は、一度、人体の中に、（彼の生理／理論を通して）取り入れられると、完璧な形で　（オリジナルの原型通り）再生されることはありません。原型は、記憶となった時に、抽象化されてしまうからです。目で見るその瞬間は、その物体が目の前にある事実であり、他人と共通に捉えられることができます。何かを記憶しようとする作用は、ほとんど、機械と同じ機能をもっているとも考えられます。ただ、それが、時間がたつと、個人個人のもつ性質によって、記憶した物事の事実は、変形してくるのです。ですから、同じことを体験したした人の記憶というのは、人によって、様々に違うのでしょう。シャバジの作品は、私が今見ている現実と、記憶として、残るイメージの狭間を喚起させてる力があります。（カメラという機械を通して）２次元に映し出された物　（写真／記憶）が、時間をへて、また、私という肉体を経て、再生されるたとき、どれだけ、現実から、抽出され、抽象されているか。観るという行為に問題を提起する作家の写真集です。

本写真集は、スイスの、ウインターサー写真美術館のシャバジの個展「Much Like Zero」の展示会に併せて発刊されました。展示会は当美術館の館長である、 Urs Stahel氏によって企画され、２０１１年の９月３日から１１月１３日まで開催されました。


Then Again
by Shirana Shahbazi
Steidl & Partners

Text by Urs Stahel
Co-published with Fotomuseum Winterthur, Winterthur

160 pages, 100 colour plates
22 cm x 28 cm
Hardcover
ISBN: 978-3-86930-338-3
Publication date: November 2011

Ohkoku (Man and his Land) (Eizo no Gendai vol 1) by Ikko Narahara

It may not overstate to claim that a new era of Japanese photography after World War II was accelerated by the advent of Ikko Narahara's work. Narahara's solo exhibition, Ningen no Tochi (Human Land) was held at Matsushima Gallery in Tokyo, in September 1956 when he was still a graduate student in Spanish Art at Waseda University. This show was a groundbreaking event to many professionals in the field since his persistent engagements to "Personal Documents".

A famous debate between Natori and Tomatsu illustrating in "Asahi Camera" in 1960 from September to November, which concerned with a photographer's subjective/objective standpoint in the area of documentary photography didn't sound valid any more and finally came to an end by a new generation of photographers, esp. Narahara. Narahara stressed his personal observation thru lens and expressed his own way to document reality. His work appeared much more organic and sensitively strong than a photo journalistic work prevalent after WWII in Japan. Narahara was one who didn't hesitate to state what he saw and thought thru his work and his strong belief in his own view and personal expression must look pretty sensational to a previous generation.

His 1956 show was materialized in the printed form in 1971, "Ohkoku (Man and His Land)" as a part of Eizo no Jidai by Chuo Koron sha. The book consists of three parts:

1. 'Chinmoku no Sono (garden of silence)' a Trappist Monastery on the island of Hokkaido
2. 'Kabe no Naka (Inside of the Wall)', a women's penitentiary in Wakayama Prefecture
3. 'Ningen no Tochi (human land)' the man-made island of Hajima off Nagasaki Bay (so called Gunkan island), coal miners toil within at 30-foot concrete wall that surrounds the island.

The Eizo no Gendai (Visual/Picture Era/Generation) is highly recommended for review and understanding of Japanese photography in the 50s and 60s. The series consists of 10 books and was published from 1971 to 1972. The photographers include Ikko Narahara, Shoji Ueda, Masahisa Fukase, Yasuhiro Ishimoto, Shomei Tomatsu, Akira Sato, Yoshihiro Tatsuk, Haruo Tomiyama, Noriaki Yokosuka, Daido Moriyama.


Man and His Land
Ikko Narahara (photography), Masakazu Yamazaki and Shoji Yamagishi (text), Iwao Hosono (book design)
Chuo Koron, 1971

hardcover

Man and Woman by Eikoh Hosoe

細江英公の「おとこと女」は、６０年代の日本写真史のおいて、芸術的価値の高い、傑作の一つだと思う。他の写真家と大きく分け隔てられる点でもあるが、細江の作品は、同胞の芸術家（舞踏家、評論家、作家、詩人、画家）との共同制作を通し作品を完成させる。特に、『１０人の眼』展（１９５７年の５月）の主催者である評論家の、福島辰夫との交流は、初期の細江氏の活動に大きな影響を与えたと考えられる。（補足：『１０人の眼』展の作家のうち、奈良原一高、細江英公、川田喜久治、東松照明、佐藤明、丹野章は、VIVO（１９５９年）を設立した。　VIVOは、作家の共同事務所兼暗室を持つ事、写真家の商業的自己責任を求める集団として機能する事を目的とした。）

福島辰夫との出会いは、細江１９歳（１９５２年）のとき、東京写真短期大学入学のときにさかのぼる。福島がデモクラート美術家協会の一員だった事もあり、池田満寿夫、加藤正、武満徹、河原温と親しく交流を持つ事ができた。また、福島は細江が２３歳の時（１９５６年）、銀座の小西六フォトギャラリーにて「フォトストーリー『東京のアメリカ娘』」の個展開催の際、パンフレットの執筆も手がけている。翌５７年には、上述したように福島のキューレーションによって『１０人の眼』展で、細江は『子供の世界ーあう幼稚園の活動記録』を出品している。

解説を福島辰夫、エドウ”ァンデルエルスケン担当、写真と隣り合わせに記された詩は山本太郎が執筆した、「おとこと女」が６１年にカメラアート社から出版された。このタイトルは、おとこをひらがな、女を漢字と表記を故意に分けている。ひらがなのおとこから、肉感的、主観的、原始的な印象を受け、漢字の女からは、情緒的、客観的、理知的な雰囲気を感じ取れる。また、おとこの被写体として友人の土方朔が採用されている。細江は、２６才、５９年に三島由紀夫の同名小説を基に演じられた、土方朔の『禁色』を観閲し、それ以後土方とは深い交友をもっていた。

墨よりも暗い背景に踊りですおとこと女のイメージはまさに舞台の上の演出を一こま毎に細江の眼通し、創造的に再現されている。写真は全て、モノクロであり、主人公はあくまで、おとことおんなだけである。これだけ、映像技術が発展し、情報映像に取り巻かれている現代社会において本作品が衝撃的に本能に訴えかけるのは、感動を受けるときの感受性というもに、技術の高さ、技法の複雑さの是非はなにも効力がなく、作家の純粋で熱い情熱の浸透力が問題なのだなと改めて思う。

本作品は、２００６年、Nadiff（東京、日本）から完全復刻版として再出版されている。


"Man and Woman" must be one of the most highly acclaimed masterpieces in Japanese photography history. It is known that Mr. Hosoe has a close association with other artists like (chorographers, writers, critics, posts, artists) and often collaborated with them to complete his work.

Especially in his early work, a critic, Tatsuo Fukushima who organized “Eyes of Ten” exhibition in May 1957, had influenced Mr. Hosoe pretty much. (VIVO was founded in 1957 by members who showed their work at "Eyes of Ten". Hosoe was also a part of VIVO along with Ikko Narahara, Kikuji Kawada, Shomei Tomatsu, Akira Sato and Akira Tanno. VIVO aimed at being self-agent for photographers themselves and shared the office and darkroom.)

Hosoe first met Fukushima when he was 19 years old (1952) as a collage student. Fukushima was a member of Democrat Bijyutsu Kyokai (Democratic Artist Association) and introduced Hosoe to the members, Masuo Ikeda (artist/painter), Tadashi Kato (painter), Toru Takemitsu (composer), On Kawara (artist). Fukushima wrote introduction for the pamphlet of Husoe's solo exhibition, "Photo Story : American Girl in Tokyo" at Konishi Roku Photo Gallery (Ginza) in 1956. As described above, Hosoe submitted his work, "Children's World-Document of a Kindergarten" to Fukushima’s "Eyes of Ten" exhibition in 1957.

In 1961, "Man and Woman" was published by Camera Art (text: Tatsuo Fukushima, Ed van der Elsken, Poetry: Taro Yamamoto). The title of this book seems very suggestive: man was written in hiragana (traditional Japanese writing) and woman in Kanji (Chinese character). Man sounds sexually powerful and positive, subjective, primitive and woman seems sensuous, objective, rational. Hosoe asked his friend, Tatsumi Hijikata to be a male model of this book. They had been friends since Hosoe observed Hijikata's stage, "Kinjiki" in 1959. (Kinjiki was based on the novel written by Yukio Mishima).

"Man and Woman" showed a man and woman in the very dark background and it was made as if he creatively captured each movement at the stage.. His photography is all black and white and main figures are just a man and woman. The plots are pretty simple, although it certainly remains strong in one's hearts and eyes. To move one's feelings, artist's pure and strong passion must be more important than any technical sophistication and complication or radical use of images.

This book was re published by Nadiff in 2006 as the complete reproduction.


Man and Woman
(Otoko to Onna)
Eikoh Hosoe
Nadiff, 2006

hardcover in slipcase
A facsimilie copy produced in 2006 by Nadiff in Tokyo.

Roger Ballen / Photographs 1969-2009 : ロジャーバレン／フォトグラフ １９６９−２００９

ドイツのミュンフェン、スタッド美術館で、２０１０年１１月１２日から、２０１１年２月２７日まで開催されている展示会の図録。ロジャーバレンは１９５０年にニューヨーク市で生まれ、１９７０年代に、南アフリカのヨハネズバーグに移住し活動している作家。これまでに、８冊の写真集を出しているが、ドイツのケルバー出版の本作は、バレンの３０年以上にもわたる作品の変遷をたどる事ができる。古典的なドキュメンタリーの要素が濃い、１９７９年に出版された「ボーイフッド」から、２００５年の「シャドーチャンバー」、２００９年の「ボーディングハウス」の幻想的で、仮想的な作品を堪能できる。

バレンの作品は、統一して薄暗い。鉛色のトーンに、人と動物と、道具（人形、家具等）が浮かび上がり、まるで、狭い洞窟でとられたイメージのようだ。血で描かれたような壁に浮かび上がるドローイング、年齢不詳の人物の感情を読めない眼、、、すべてこれらは、バレンの仮想世界の出来事だとわかりながら、必要以上にどきりする。自分にまったく関係のない出来事が繰り広げられているのに、まるで自分の隠し持っている本能、例えばよこしまな欲望を目の前に突きつけられたかのように、動揺する。バレンの表象世界は、ジョエルピーターウィトキンスの幻想世界より、直接的なレトリックを使うことなしに、心理的に観る物の本能を呼び覚ますだろう。

An Exhibition catalogue for the show at the Munchner Stadtmuseum / Samling Fotografie (11/12/10-02/27/11). Ballen was born in NYC in 1950 and has lived in Johannesburg, South Africa since the 1970s. He has published the total 8 monographs earlier and Kerber Verlag Bielefeld (Germany) published his new book in 2010. It is an ideal overview of his career over 30 years, ranging from classic documentary work in his first book, "Boyhood" (1979) to his imaginary/fictionalized work in "Shadow Chamber" (2005) and "Boarding House" (2009).


It seems like the work of Ballen appears by the dim light of the candle and feel as if his photographs of people, animal and objects (dolls and furniture) are taken in a very narrow and tiny cave. Drawings done with blood, no emotion from eyes of unidentified people ,,,,,All those plots should be understood just as his own subjective imaginary, although, one can't help feeling that it can be his own agenda. He will feel embarrassed since his hidden secret, lust and emotion are now revealed and shown in front of his eyes.. Without obvious decorative elements, Ballen's figurative world awakens one's intuition more physiologically than fantasy of Joel-Peter Witkin.

Photographs 1969-2009
Roger Ballen
Kerber, 2010
ISBN 9783866784628

hardcover

Other publications:

Boarding House, 2009
Shadow Chamber, 2005
Fact or Fiction, 2003
Outland, 2001
Cette Afrique', 1997
Platteland, 1996
Dorps: Small towns of South Africa, Clifton Publications; 1st ed edition (1986)
Boyhood, 1979